Perspectiva en el paisaje

Es propósito de este espacio es publicar obras de arte cuyo tema central sea el paisaje, junto la información y análisis correspondiente según pauta.

Paisaje de Pissarro:



"En esta cosecha de manzanas existe un cierto recuerdo a Millet al mostrar la labor de las mujeres situadas en una zona de sombra rodeada de varios espacios soleados".

Esa zona ensombrecida toma una tonalidad malva oscura, que contrasta con la claridad de los amarillos y naranjas del campo que la circunda.

La iluminación provoca el abocetado de los personajes aunque apreciamos la perfecta volumetría de cada una de ellas, sin apenas perder la forma.

Pissarro empleará dos perspectivas para esta escena, recurso muy habitual en la pintura de Degas, la mujer del primer plano está vista desde arriba mientras que las que aparecen al fondo están en perspectiva frontal".

fuente:artehistoria

En esta obra se aprecia una labor cotidiana de la que se encargaban los campesinos o trabajadores de esos años Camille Pissarro aplica las sombras y tonalidades de muy buena forma a los árboles logrando unos maravillosos contrastes.

Los colores fríos usados en la parte posterior del campesino hacen resaltar los colores calidos usados en el y en las flores de los arbustos hacen resaltar la parte inferior de la obra.

En la parte posterior de la obra se observa el cielo con una gran cantidad de luz que contrasta con la parte inferior y les brinda a la parte superior de los árboles una tonalidad clara de color verde que los hace notar.

Camille Pissarro se destaca por ser uno de los mejores pintores del impresionismo nació en Francia en los años 1830 y 1903. Una gran parte de sus obras son paisajes rurales o urbanos donde muestra la realidad de esos años los que provocaron la simpatía de campesinos y demostraba su tendencia anarquista. Muchos años en los que el pojnto fueron años caóticos de agradable en Francia por lo cual el se traslada a Inglaterra donde estudia y realiza pinturas de diferentes estilo tras unos años vuelve al lirismo y al impresionismo que son los estilos que lo han hecho famoso.

En
esta obra se aprecia una labor cotidiana de la que se encargaban los
campesinos o trabajadores de esos años Camille Pissarro aplica las
sombras y tonalidades de muy buena forma a los árboles logrando unos
maravillosos contrastes.

Los colores fríos usados en la parte
posterior del campesino hacen resaltar los colores calidos usados en el
y en las flores de los arbustos hacen resaltar la parte inferior de la
obra.

En la parte posterior de la obra se observa el cielo con
una gran cantidad de luz que contrasta con la parte inferior y les
brinda a la parte superior de los árboles una tonalidad clara de color
verde que los hace notar.

Camille Pissarro se destaca por ser
uno de los mejores pintores del impresionismo nació en Francia en los
años 1830 y 1903. Una gran parte de sus obras son paisajes rurales o
urbanos donde muestra la realidad de esos años los que provocaron la
simpatía de campesinos y demostraba su tendencia anarquista. Muchos
años en los que el pojnto fueron años caóticos de agradable en Francia
por lo cual el se traslada a Inglaterra donde estudia y realiza
pinturas de diferentes estilo tras unos años vuelve al lirismo y al
impresionismo que son los estilos que lo han hecho famoso.



Alumno: D. Canales Arenas.
Curso: 1º C.
Ramo: Artes Visuales.

titulo de la obra: Autumn Landscape
autor de la obra: vincent van gohg
caracteristicas: oleo sobre lienzo
estilo: impresionismo
museo: Cambridge (Inglaterra), Fitzwilliam Museum

The Autumn Landscape es una de las obras anteriores de Vincent van Gogh,
donde fue la pintura en más de una manera impresionista,
con más detalles y menos color de sus últimos trabajos.

Van Gogh estaba satisfecho con los resultados de esta pintura.
Van Gogh escribió sobre The Autumn Landscape en una carta a su hermano
Theo van Gogh en 1885.

En esta obra no se aprecia muchos colores pero contiene tonalidades muy notorias
ademas se aprecian muy bien los detalles de las cosas.

Alumno:M.Barros Pereira
curso:1ºc
asignatura:Artes visuales.

En este jardín hay un recuerdo de como la gente paseaba por
sus jardines soleados para pasar el soleado día sentados en su jardín

La zona ensombrecida donde esta sentada la mujer y la niña contrastan perfectamente con la luz
que tienen delante de ellas

La iluminación de esta pintura contrasta perfectamente con
la oscuridad que tiene la señora sentada
para resaltar el color del jardín

En este jardín hay empleada una perspectiva para dejar a la
mujer y a la niña metida en medio del jardín, haciendo que se venga hacia
delante el jardín a la mirada humana.

Nombre: Franco Canales A.

Curso: 1ºC

Titulo: La Urraca 1868 a 1869
Autor: Claude Oscar Monet

Museo: Musée d´Orsay, París.
Características: Óleo sobre lienzo 89 x 130 cm.
Estilo: Impresionismo

Observe detenidamente la obra

1-Análisis formal
- Descripción de la obra: La obra se llama La Urraca, fue pintada por el francés Claude Oscar Monet entre los años 1868-1869. En ella se ocupó la pintura en óleo sobre lienzo. Monet en esta obra ocupo pocos colores, y los que utilizo fueron frio como el blanco, negro, marrón y azul. El pintor en esta obra refleja toda la magia del invierno, juega en ella con las sobras y la luz. En ella abunda el color blanco, difícil trabajo para mi opinión ya que con ese color demostró las profundidades y densidades de la nieve con efectos de blancos puros, mas oscuros, claros o combinándolos con otros colores como el marrón. En el paisaje alusivo a la Urraca no aparece destacando mucho a esta, mas bien se destaca al paisaje invernal.

- Género (paisaje): la obra es de estilo impresionista.

- Asunto o tema: La urraca.

- Decoración, personajes, elementos: En ella se aprecia una urraca, la casa, los arboles y la nieve.

- Destaque de elementos: El entorno del paisaje invernal.

- Descripción formal: Obra pintada en Óleo, con pinceladas finas. Monet realizo esta obra en invierno, aprovechando los colores fríos que ahí había.

- Espacio: (Perspectiva, forma, atmósfera) la perspectiva de esta obra se encuentra en los árboles que están detrás de la urraca, la perspectiva es de forma lineal. La atmósfera representa un día de invierno frío, la obra trae un aire de tranquilidad.

- Colores: (cálidos o fríos) Sus colores son fríos, en ellos se encuentra predominando el blanco, el azul y el marrón.

- Iluminación: (Fuente de iluminación) La iluminación natural de un día gris de invierno. Su fuente es el sol, lo cual no aparece captado por el autor en su obra, pero por sus rayos se hace notar que es un sol muy bajo.


2-Estilo o movimiento

-localizar en tiempo y espacio la obra: Monet realizó esta obra durante el invierno de 1868 a 1869 (Siglo XIX) aprovechando una estancia cerca de Étretat en Caux.


- Identificación del contexto general de la obra: La obra muestra un típico día de invierno, En un bellísimo paisaje invernal nevado, un día tranquilo pero frío. En el paisaje aparece una urraca posando en una valla. Detrás aparece una casa de campo con sus chimeneas y un valle completamente cubierto por nieve. La obra no representa tristeza, tampoco felicidad, representa tranquilidad y relajación.

3-Autorbiografía)
Claude Oscar Monet nace el 14 de noviembre de 1840 en el 45 de la rue Lafitte, en el seno de una familia de comerciantes. Su padre se llamaba Claude Adolphe y su madre Louise Justine Aubrée, siendo el segundo hijo del matrimonio. Los problemas económicos que atravesaba el padre del futuro artista motivaron el traslado a Le Havre, ya que allí podía participar en el próspero negocio de su cuñado.
Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. En estos momentos estaría más interesado por los dibujos graciosos y caricaturas que por adquirir una formación artística. A los 15 años ya tenía relativa fama como caricaturista, realizando un buen número de caricaturas de ciudadanos de Le Havre por las que cobraba entre 10 y 20 francos, consiguiendo una pequeña fortuna de 2.000 francos. Cuando Monet tiene 17 años fallece su madre, la única persona con cierto talento artístico de la familia. La pérdida supuso un duro golpe para el joven quien establecerá una estrecha relación con su tía, Marie-Jeanne Lecadre, interesada por la pintura, pintora aficionada y compañera -tras enviudar- del pintor parisino Armand Gautier. Este mismo año, Claude decide abandonar el instituto para dedicarse a la pintura. Ha conocido a Boudin, con quien se inicia en el paisaje y la pintura al aire libre. El padre no admite la decisión de su hijo pero, gracias a la persuasión de la tía Marie-Jeanne, acepta a regañadientes. Para que la formación del joven en París no signifique un peso para la economía familiar solicita en dos ocasiones una beca al ayuntamiento de Le Havre, pero Monet emplea sus ahorros para marchar a la capital, a pesar de la negativa paterna.

Siempre se ha considerado a Monet como el máximo representante del Impresionismo. Indudablemente, Monet es un impresionista puro, él nunca abandonó sus planteamientos. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plamar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en una superficie acuática, en un suelo nevado o en la portada de una catedral. Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada. Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte. Muere el 5 de diciembre de 1926 a los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de París.

Alumno:Bárbara Silva
curso:1ºc
asignatura:Artes visuales

Titulo: "Muchachas al piano"
Autor:Pierre Auguste Rendir (1841-1919)
Fecha:1892
Museo:Museo de Orsay
Características:116 x 90 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Impresionismo



Sobre el cuadro:

Este cuadro se trata de dos burguesas adolescentes que se concentran en el piano, interpretando una la pieza y la otra cantando. Renoir parece introducirse en la sala donde se desarrolla la escena, dándonos la oportunidad de presenciar el "concierto". Los rostros de ambas figuras son de gran belleza, trazados con sobrada maestría. Siempre este artista hará gala de un sensacional dibujo, reaccionando de esta manera ante la pérdida de la forma que incluía el Impresionismo como se aprecia en las obras de Monet.

Renoir zanjó tajantemente esta cuestión, interesándose por las figuras femeninas en diferentes actitudes. La sensación atmosférica creada, el rico color empleado y la soltura en la pincelada son elementos típicos del Impresionismo, aportando Pierre sus notas características, demostrando que dentro del movimiento cada miembro tenía total libertad. Las luces que penetran por la zona de la izquierda impactan en los vestidos de las adolescentes, resbalando por las telas para crear un efecto de delicada belleza. Destaca el jarrón sobre el piano, ejecutado con rápidas pinceladas, que otorga mayor riqueza al conjunto


Nombre: Catalina Peñaloza
Curso: 1ºC

Artista: Camille Pissarro
Nacimiento: 1830
Muerte: 1903
Estilo: Impresionismo
Obra: Shrovetide Tuesday, sunset, boulevard Montmartre
Año: 1897
Técnica: oil
Sustrato: on canvas
Tamaño original (L x A): 65 x 54 cm


En esta obra podemos ver un lugar de Londres que solia ser el lugar de inspiracion
de Pissarro.



Nombre:Matías Quijada
Curso:1ºC

Paisaje con un puente de piedra

Autor:Rembrandt
Fecha:1638 h.
Museo:Rijksmuseum
Características:29´5 x 42´5 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:

El siglo XVII se considera el Siglo de Oro del paisaje holandés con artistas como Jan van Goyen, Meindert Hobbema o Jacob van Ruisdael.
Parece ser que Rembrandt no quiso quedar al margen de esta especialidad
tan demandada por los burgueses del norte de Europa, realizando algunos
paisajes como éste que contemplamos. Por supuesto que no se trata de
vistas tomadas directamente del natural como harán los impresionistas
en el siglo XIX sino de imágenes fantaseadas de paisajes que los
artistas tenían cerca. Por eso siempre aparecen las nubes tormentosas,
los espesos grupos de árboles, los arroyos y los bruscos contrastes
entre luz y sombra. De esta manera, el artista destaca el efecto
dramático del paisaje. Este dramatismo ha hecho pensar a algunos
especialistas que se trataría de una imagen simbólica del mundo
cristiano. Así, el puente sobre el río sería la representación de
Cristo, el camino que conduce a la salvación. A la izquierda vemos una
posada donde no debemos entrar; nuestra obligación de cristiano es
seguir a la pequeña figurilla - iluminada por el haz de luz que aparece
junto al puente - que lleva en un hatillo sus pecados y se dispone a
atravesar el puente: sería la explicación del porque esa zona está más
iluminada. No debemos olvidar la poderosa influencia de la Iglesia
protestante en la Holanda del siglo XVII que bien puede explicar el
significado simbólico de la tabla.

Belen Valenzuela 1°C

Muy interesante el aporte que están haciendo del punto de vista de un contenido, felicitaciones, le pediría al administrador que habra el foro que no sea tan cerrado y que todos podamos opinar.

respecto a las obras, le recomendaría que en algunos casos se acercarán más a la perspectiva que al color, hay obras que son más importantes por el color que por la escasa perspectiva que tienen, sin embargo la iniciativa es muy loable.

NOMBRE : la noche estrellada.
AUTOR : vincent van gogh.
MEDIDAS : 73,7 X 32,1 cm.
TECNICA : oleo sobre lienzo.
ESTILO : postimpresionismo
LOCALIZACION : MOMA nueva york.

observe detenidamente la obra

analisis formal:

descripcion de la pobra :Esta famosa escena resulta una de las más vigorosas y sugerentes realizadas por Vincent.Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista, aunque da la impresión de predecir la grave recaída que tendrá Vincent en el mes de julio. Es de destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano, tomando como inspiración a seurat y la estampa japonesa. Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto. Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonnismo empleada por gauguin .

genero ( paisaje ) : neo-impresionista.

asunto o tema : la noche y sus estrellas.

decoracion, personajes, elementos : en ella se aprecia una ciudad las estrellas en una perfecta sincronia con la noche.

destaque de elementos : el entorno de la noche estrellada.

descripcion formal: obra pintada en oleo y un tratamiento especial a las estrellas.

espacio ( perspectiva, forma, atmosfera ) : se centra en el punto de fuga que esta representada en el techo de la casa que sobresale conta de una linea horizonte.

colores : se destacan los colores malvas amarrillos y morados que alludan adar los contrastes de color en la noche y el amrrillo muestra el rillo de las estrellas.

iluminacion : la fuente de iluminacion sin duda es el brilo de las estrellas y las luces de las casa .

2. estilo o movimiento.

localizar en tiempo y espacio la obra : van gogh hizo esta obra en su estancia en el manicomnio de saint -remy en el año 1889.

identificacion del contexto general de la obra : en la obra se muestra claramente la belleza de la noche con sus estrallas y la iluminacion de las casa sin duda para algunos un paisaje exacerbante.

3. autor ( biografia )
Era el mayor de seis hermanos. Nació en Zundert, el 30 de marzo de 1853 brabante Septentrional, hijo de un austero y humilde pastor protestante holandés, Theodorus van Gogh y de Anna Cornelia Carbentus. Recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su original y atormentada existencia. El primer paisaje que vio fue el de la tumba de su hermano muerto. Fue muy temperamental desde su infancia y siempre buscó la muerte ^, pero a través de la vida. Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular y, aunque no fue buen estudiante, allí fue donde empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. Pese a su dedicación a los dibujos, muchos maestros de este arte le dijeron que nunca iba a ser un pintor profesional porque no sabía pintar. A pesar de estos informes, Van Gogh no se rindió y a los diecisiete años entró como aprendiz en Goupil & Co. -luego Boussod & Valadon-, importante compañía internacional de comercio de arte, ramo en el que su familia tenía, al parecer, alguna tradición. Además de las oficinas de La Haya, trabajó en la sucursal de Londres entre 1873 y 1875. Tras ser destinado a París, donde ya había estado tres meses, la inadaptación de Vincent al negocio se hizo tan evidente que fue despedido. En Boussod & Valadon quedó, sin embargo, su hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor.
A su vuelta de Inglaterra se obsesionó con La Biblia y quiso hacerse teólogo y estudió para ello en la Universidad de Leiden. Para demostrar su profunda creencia en la religión cristiana pidió ser misionero en varias compañías, pero fue rechazado por no saber ni latín ni griego. Un dirigente se compadeció de él por su profundo fervor y lo mandó como misionero a las minas de Borinage, en Bélgica. Allí durante 22 meses dio todo lo que tenía a los mineros: ropa, dinero y comida, además de realizar sus primeras pinturas. Estuvo demasiado abstraído en la religión y muchos le llegaron a temer. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias.

En 1881 empezó su etapa de pintar de forma regular y empezó retratando a campesinos, que según decía eran lo único natural que quedaba ante la irrupción de la sociedad industrial. Una de estas obras fue la llamada "Los comedores de patata".
En 1886 se mudó a París, para vivir junto a su hermano menor Theo Van Gogh, quien sería el soporte más fuerte de su vida y de sus aspiraciones artísticas. Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que allí se reunían creciendo como pintor y como ser humano. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos. Van Gogh como muchos pintores de la época admiraba el arte japonés-cífrense: Hokusai, Hiroshige, Utamaro..., prueba de ello son las réplicas que realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen pinturas de ese país a manera escenográfica.
En 1888 se instaló en Arlés al sur de Francia, con la intención de crear un taller de artistas en su casa, llamada la casa amarilla, el color favorito de Vincent. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, que se desplazó hasta allí. Vincent le hizo un cuadro de bienvenida, "La Habitación" y pasaron juntos una temporada, en la cual los desórdenes mentales de Vincent impidieron que la relación se mantuviera. En la tarde del 23 de Diciembre de 1888 Van Gogh y Paul Gauguin tuvieron un altercado en el cual se dijo que Van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja. Más tarde esa noche Van Gogh volvió a la "Casa Amarilla" en Arles donde él vivía y se mutiló. Sosteniendo la navaja abierta en su mano derecha, rebanó su oreja derecha, comenzando arriba en la parte de atrás y descendiendo de forma que toda la parte inferior de la oreja fue cortada de un tajo. Esto dejó parte de la porción superior de la oreja asida como una horrible solapa de carne. Van Gogh luego envolvió la oreja en un paño y se las arregló para ir a su burdel favorito donde le presentó este "regalo" a una prostituta. Llamaron a la policía y Van Gogh fue posteriormente hospitalizado. El tejido dañado de la oreja fue puesto en un frasco con alcohol en caso que se necesitara como prueba. Algunos meses después fue desechado.
Regresó a Arlés junto con un amigo para ir a su casa, en donde descubren que sus cuadros estaban cubiertos por el moho y rasgados por los envidiosos vecinos lo que provocó otra depresión al artista. Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas psíquicos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria, entre los que se encontraba el asilo de Saint-Remiy, donde realizó los cuadros de cipreses y La noche estrellada, expuesta en los independientes en 1889. En el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence le es habilitada una habitación para que siga pintando. Aquí empezó una frenética vida artística inspirándose en Rembrandt. En mayo de 1890 un amigo de Theo, el doctor Paul Gachet, le invita a que le haga diversas consultas y, como Vincent no tiene dinero, le paga haciéndole un retrato. Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.
Pero la estrecha relación con su hermano, quien sostenía a Vincent económicamente, lo alentaba moralmente. Su comportamiento agresivo y solitario le hacía ser un paria en los diferentes sitios donde habitaba y vivir una existencia de frustraciones amorosas al ser rechazado por cada una de sus pretendidas.
Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890. A pesar de su herida se arrastró de vuelta a casa donde murió el 29 de julio de 1890 dos días después en brazos de su hermano Theo, "Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": éstas son las palabras de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo el 29 de julio de 1890. Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. En 1973 fue inagurado en Amsterdam el Museo de Vincent Van Gogh.
Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de Van Gogh.

.

J.Urzua 1°C

Felicitaciones Javitaph
obtiene

"Paisaje con el descanso en la huida a Egipto"

Autor:Joachim Patinir
Museo:Museo del Prado
Características:121 x 177 cm.
Material:Oleo sobre tabla
Estilo:Pintura Flamenca

Comentario: Expresivo ejemplo del estilo y manera de concebir el paisaje por parte de Patinir.
Un tema bíblico sirve de pretexto para desarrollar un espléndido
panorama. La Virgen y el Niño, en el centro, y san José recogiendo
frutos en el bosque y a la izquierda el burro paciendo, se integran en
la composición como elementos secundarios pues nuestra mirada corre a
gozar de la belleza del entorno. Un ritmo amplio recorre la perspectiva
en profundidad: un primer plano en un marrón claro, que se convierte en
verde luminoso en el segundo, para terminar en los tonos fríos de las
rocas fantásticas y azuladas.

Biografia: (Bouvignes, actual Bélgica, h. 1480-Amberes, 1524) Pintor
flamenco. Se le reconoce el mérito de haber sido el primer pintor en
tratar el paisaje como género independiente. No obstante, Patinir no se
atrevió nunca a pintar meros paisajes, algo inconcebible en la época,
sino que dio a la recreación de la naturaleza mayor protagonismo y
espacio que a las figuras, por lo general pequeñas, de sus obras de
temática religiosa. Sólo se conservan cuatro obras firmadas, entre
ellas la famosa Huida a Egipto, pero se le atribuyen muchas otras, con
particular mención para Travesía de la laguna Estigia. En sus paisajes,
Patinir combinó la observación detallista del natural con el delirio
imaginativo y fantástico, que lo aproxima a otros pintores flamencos
famosos por su extravagancia como El Bosco y P. Brueghel.








C.Riveros 1ºC