Bodegones españoles

Se inicia una serie de bodegones creado por artistas españoles a partir del siglo de oro.Este singular lienzo y su pareja, que se encuentra en las colecciones del Banco de España, considerados como obras importantes de la pintura de bodegones del Barroco español, ejercieron un considerable influjo en la futura naturaleza muerta de la escuela madrileña. Es una pieza central en la producción de Van der Hamen y en ella se evoca la virtud social de la hospitalidad, pues refleja el importante papel que desempeñó el arte de la confitería en la sociedad de entonces, ya que, con suma frecuencia, a los huéspedes o visitantes se les ofrecían dulces junto con bebidas calientes o frías, aromáticas o licores e incluso agua, preparada de distintos modos.
En el marco de un vano de piedra, con algunas muescas realizadas para dar mayor verosimilitud al soporte, que sugiere la base de una ventana o fresquera, se disponen varios recipientes de diferente formulación y categoría. De izquierda a derecha se observan dos cajas circulares de dulce hechas en madera de ligera consistencia, que contendrán algún tipo de jalea; la superior soporta encima un pequeño recipiente que sin duda está ocupado por una sustancia parecida a la que guardan éstas, aunque tal vez más líquida. Ocupando el espacio principal se destaca una gran cesta de mimbre con tres tipos de entrecruzado, eminentemente decorativo a la par que naturalista, colmada por dulces sólidos del tipo de los bizcochos, bollos, frutas confitadas, pastas y rosquillas. A la derecha se aprecian dos recipientes más: otro reducido tarro, similar al antes descrito, y tras él un barrilete que probablemente sirviera para guardar arrope.
La habilidad del pintor para coordinar los motivos se plasma inicialmente en la colocación de las piezas: las cajas de dulce avanzan algo menos de un tercio de su círculo respecto de la arista del plano inferior, la mayor, sobre el borde del vano figurado, arrojando sombras en dos direcciones y dando la réplica al par de objetos emplazados a la derecha. Entre ambos grupos, el amplio ámbito intermedio permite el lucimiento de la cesta.
Todos los elementos, bien combinados, se destacan con fuerza, afirmándose sus volúmenes sobre un fondo neutro oscuro, merced a la soberbia iluminación que produce una fuerte contraposición de luces y sombras. Los detalles son otro aspecto a tener en cuenta a la hora de valorar positivamente el cuadro por su especial diversidad, desde la variedad de calidades táctiles de los objetos mostrados hasta los menudos pormenores de cada uno de ellos, resaltando la expresividad del tratamiento en algunas superficies concretas. Según Jordan, la simetría arquetípica de la composición hace referencia a las más antiguas y asentadas tendencias de orden formal y jerárquico. No obstante, estas pureza y monumentalidad no se consiguieron de inmediato, sino que fueron el resultado de un proceso de refinamiento y depuración que llevó varios años al maestro. Durante este tiempo es evidente que Van der Hamen aprendió mucho del arte de Juan Sánchez Cotán (1560-1627), cuyos bodegones de austera y suprema elegancia, presentes en la Colección Real desde 1618, conocía bien. Aparte de la claridad del espacio, el rasgo más característico de su pintura es su toque chispeantemente vivaz cuando pinta los reflejos blancos del azúcar en los dulces y modula hasta el infinito la sustancia translúcida de las frutas confitadas. Este virtuosismo permanecería como un marchamo de su estilo que no sería fácil de imitar, en toda su dimensión cualitativa, porque surgieron determinadas copias relativamente convincentes y trasuntos de mayor o menor acierto, con destino a una clientela menos exigente que la formada por los grandes mecenas y coleccionistas escogidos.
Fuente_ museo del prado
Otro interesante ejemplo del estilo del bodegonista madrileño: con diestro dibujo perfila las formas de los objetos cotidianos, iluminados por una luz dirigida sobre un fondo oscuro. Si comparamos la obra con sus coetáneos holandeses apreciamos un mayor desaliño en la composición y, sobre todo, una austeridad casi mística, que nos recuerda a Sánchez Cotán y a Zurbarán.

BODEGON CON FLORES Y GATO-L.229x100 - BARROCO ESPAÑOL Obra de HAMEN JUAN VAN DER 1596/1631 MUSEO DEL PRADO-229x100 BARROCO ESPAÑOL
BODEGON CON FLORES,RELOJ Y PERRO-LIENZO 299x100 - BARROCO ESPAÑOL Obra de HAMEN JUAN VAN DER 1596/1631
MADRID MUSEO DEL PRADO-LIENZO 299x100 -
Bodegon flores con gato y flores con perillo, serie de juan van der Hamen, 1627
Después de su descubrimiento y análisis por Orihuelaen 1982, ambas obras, que debieron de ser pintadashacia 1625, han sido objeto de una gran atención porparte de la crítica especializada y han participado ennumerosas exposiciones de diferente índole, básicamentelas que trataban de la naturaleza muerta en general,de las flores en particular, e incluso de losperros, en razón del evidente protagonismo de los canesen cada lienzo.
Los dos cuadros formaban parte de la decoracióninterior del palacio madrileño de Jean de Croy, que fallecióen 1638 y de cuya colección Felipe IV ordenócomprar bastantes obras. Este noble flamenco, condede Solre y capitán de la Guardia de Arqueros flamenca,era también el propietario de la Ofrenda a Flora del mismo autor (véase fig. 5).
Este par de obras, seguramente un encargo de DeCroy, según Cherry, aunque también pudo ser hechopor alguien de su familia, estaban colgadas sin enmarcara ambos lados de la entrada a una sala que conducíaa la galería de pinturas, y servían probablementede ampliación ilusionista del espacio real al reproducir,quizá, el propio suelo de la habitación. El juguetóncachorro y el perro podrían muy bien ser retratos deanimales reales propiedad del dueño de la casa. El temade los cuadros está relacionado con la cultura de la hospitalidadaristocrática, condición indispensable del refinadoestilo de vida de los ocupantes de la vivienda.En uno de ellos hay un recipiente para enfriar el vinoen el suelo y sobre los trincheros, cubiertos con terciopeloadamascado verde, aparecen dulces y una jarrade cristal con aloja, la bebida aromática popular de laépoca, mientras el reloj indica que van a dar las cinco,hora muy adecuada para tomar esas golosinas.Los motivos principales de ambas obras son dosgrandes jarrones de cristal y bronce dorado con arreglosflorales. Estas vasijas representan un tipo de objetodecorativo de lujo muy propio del nivel social delmecenas de Van der Hamen, y las flores que contienendestacan por la copiosidad y variedad de sus corolas.Evocan, sin ninguna duda, arreglos florales queformaban parte realmente de la rica decoración de lacasa de Solre. Sin embargo, no fueron pintadas del naturaly constituyen una imagen artificial al reflejar floresde tal perfección y por el hecho de reunir variedadesque florecen en diferentes épocas del año.En el centro del jarrón y entre las variedades demenor altura destacan grandes flores ornamentalesde llamativos colores, dos peonías rojas en una de lasobras y dos girasoles amarillos en la otra. El resto delramo está compuesto por una gran variedad de capullosmedianos y pequeños dispuestos en una armoníacromática cuidadosamente orquestada. Las variedadesde tallo largo –tulipanes, lirios y gladiolos– seelevan libres por encima del conjunto. La direcciónde la luz en los cuadros, indicada por el rayo diagonal reflejado en la pared del fondo, fue posiblemente sincronizadacon la iluminación real de la habitación. Lasflores y hojas de la izquierda del conjunto están fuertementeiluminadas y se destacan contra el fondo oscuro,mientras que la silueta de las hojas de la derechaaparece perfilada sobre la parte más clara de lapared del fondo.
El ramo que aparece en el cuadro del perro grandeestá más cuajado de flores que su compañero e incluyealgunos pequeños pétalos caídos sobre la mesa.En el florero del cachorro, Van der Hamen dejó sinpintar dos de las corolas. Las dos formas ovaladas planasde color ladrillo, que aparecen tras unas flores yhojas de pequeño tamaño, corresponden a la primeraetapa de la realización de una flor roja igual que otrasdos que se muestran totalmente acabadas. No se saben las razones que impulsaron a Van der Hamen adejar el cuadro sin terminar: puede que tuviera que finalizarloapresuradamente o quizá dejó deliberadamenteesas flores inacabadas buscando un mayorequilibrio cromático. En cualquier caso, proporcionanun curioso detalle que da cuenta de la técnica empleadapor el artista para la realización de algunas delas flores de mayor tamaño. Evidentemente consistíaen aplicar el color de base en formas redondas un pocomás pequeñas que la cabezuela de la flor terminadacuya figura venía dictada por la disposición y la perspectivade ésta dentro del conjunto. Con este procedimiento,Van der Hamen orquestaba la armonía cromáticade todo el ramo. El artista procedía después atrabajar sobre esta capa de preparación definiendo lospétalos y modelando las formas de cada variedad conmayor detalle, terminando una por una. Esta técnicaparece coincidir con la que se ha observado en obrasde especialistas posteriores, como Gabriel de la Corte,en algunos de cuyos floreros la pintura subyacente delas rosas rojas asoma bajo el modelado de los pétalos,debido a que, con el paso del tiempo, las veladuras finalesadquieren una mayor transparencia, segúnopina Cherry.
fuente:museo del Prado

Juan van der Hamen (1596-1631)
Plato con ciruelas y guindas
Óleo sobre lienzo, 20 x 28 cm
Sobre un plato de peltre o estaño, propio de los ambientes domésticos de los siglos XVI y XVII, colocado sobre un alargado sillar sobriamente definido se observa un agrupamiento de frutas cuyo cromatismo contrasta vivamente entre sí: rojizo y transparente en unas, azulado y opaco en las otras; tal combinación produce un elegante efecto decorativo, aumentado por el carácter discreto del conjunto que, aparentemente, poco tiene que ver con otras creaciones del maestro, más acordes con la prosopopeya acumulativa del Barroco. Fueron varios los pintores españoles que al igual que elaboraban cuadros eminentemente complicados, llevaban a cabo creaciones de sorprendente simplicidad; ejemplo de ello es el Plato de melocotones y peras (Museo del Prado, P-7610) que realizó Juan de ArellanoEl autor, sin duda, escogió estas sencillas vituallas así como los elementos que las acompañan necesariamente por el deseo de reproducir sus formas, su consistencia, su materia, sus colores y los reflejos que sobre todo ello provoca la luz que se difunde suavemente desde la izquierda. Gusta de alternar las áreas envueltas en sombra con las bien iluminadas y la gama cálida con la fría, a fin de alcanzar un concepto de perfección dotada de autenticidad, que expresa de manera convincente su sabiduría más que consumada para que el conjunto ofrezca a ojos del espectador las apariencias de la realidadPortús, que ha estudiado la pieza con detenimiento, apoya su análisis en un atinado comentario sobre el pintor: «Aunque Juan van der Hamen llevó al bodegón español a un alto grado de sofisticación, tanto en lo que se refiere a sus soluciones compositivas como al repertorio de objetos representados, desde los inicios hasta el final de su corta carrera, realizó también obras de extraordinaria sencillez en las que demostraba su capacidad para la representación minuciosa y verídica de formas y texturas. De hecho, cuando murió estaba trabajando en una serie de doce pequeños cuadros de frutas que probablemente no serían muy distintos de éste, del que se ha señalado que coincide con una de las obras que se citan en 1655 en la colección de Andrés de Villarroel, platero del Rey»
Por el momento nada puede afirmarse referente a la fecha de realización de la pieza pero, siguiendo las precisiones expresadas en el párrafo anterior, cabe pensar en una datación tardía en la trayectoria del maestro.
fuente museo del prado